La exposición re:FRAME, la muestra itinerante de Martina Testino y Enrique Badulescu, usa la fotografía como un lenguaje creativo para replantear la industria textil. En la segunda planta de la Leica Store & Gallery Mexico City, el ambiente obliga a detenerte y observar con calma.
La instalación re:FRAME aparece como un cuarto de pruebas visual donde la moda y la fotografía se cruzan con una conversación sobre conciencia ambiental, a través de un recorrido envolvente. Permanecerá abierta hasta el 15 de marzo.
En la segunda planta de Leica Store & Gallery Mexico City, re:FRAME convierte la tienda en un espacio curatorial: aquí se viene a mirar lento.
re:FRAME en CDMX: mirar la moda desde sus residuos
Llega a la Ciudad de México como una exposición itinerante de seis semanas, después de su primera presentación en formato pop-up en Nueva York. El proyecto desarrollado completamente con cámaras de Leica— propone una reflexión directa sobre la crisis de residuos textiles y lo que dejamos atrás cada vez que consumimos ropa “de temporada”.
El eje visual es por parte de Badulescu, fotógrafo de moda con trayectoria internacional que vuelve a México tras varios años, y en Testino, creativa y activista, quien impulsa la lectura crítica: aquí la estética no está para suavizar el tema, sino para obligarte a mirar más tiempo. Las imágenes retratan impactos ambientales y sociales de los modelos actuales de producción y consumo. En lugar de quedarse en la pared, la muestra se expande con instalación y activaciones participativas que te meten dentro de la conversación.
Más que una propuesta estética, re:FRAME se plantea como un llamado a la conciencia y a la acción. Pone en el centro el poder de la creatividad, la circularidad y la colaboración consciente como motores reales de transformación. La muestra invita a detenernos y replantear nuestra relación con la ropa, la belleza y la responsabilidad que implica elegir.
Una de las piezas del fotógrafo Enrique Badulescu: imágenes hechas con cámaras Leica que hablan de impacto ambiental y social.
Marina Testino impulsa una muestra sensorial con reforestación
Dentro del concepto, Marina Testino (sobrina de Mario Testino) funciona como figura clave. No solo firma la parte visual: también dirige el mensaje hacia la acción. La muestra mezcla estímulos sensoriales por ejemplo, fragancias creadas a partir de voces con dispositivos que te regresan preguntas como si fueran un espejo. Y, en lugar de quedarse en la idea, plantea un paso concreto: una activación de reforestación. Así, la reflexión no se queda en el discurso: se convierte en un gesto medible, con impacto real.
La instalación funciona como “cuarto de pruebas visual”: pared, objeto e intervención se salen del marco para meterte dentro de la conversación.
¿Cómo surge re Frame?
Re:FRAME nació a partir de una colaboración con Enrique Badulescu, pensada para poner sobre la mesa desde el arte los problemas estructurales que atraviesan la industria de la moda. Dentro de la muestra, Testino asumió la dirección creativa y la construcción de las imágenes, hilando una narrativa visual que buscara reflejar al espectador: “Mi trabajo fue diseñar el lenguaje visual y darle forma a una historia que funcionara como un espejo”, explica.
El objetivo no era dar lecciones, sino generar un alto en el camino: “Queríamos que quien recorre la exposición se preguntara cuál es su papel como consumidor y entendiera el impacto de sus decisiones.
Activismo que entra por los sentidos
En re:FRAME, una de las activaciones que más conversación generó fue la de LiquidSound. La propuesta fue inusual: tomar las voces de Marina Testino y Enrique Badulescu y convertirlas en fragancias. En el caso de Testino, su mantra “Rethink, Rewear, Reimagine” terminó transformado en olor.
“Muchas veces la sostenibilidad se comunica siempre igual, y a mí me hacía falta romper esa rutina”, cuenta Testino. “Pasar mi voz a una fragancia fue una manera distinta, más ligera y más atractiva, de decir lo mismo.”
Para ella, el olfato es una ruta rápida hacia lo emocional. Un aroma, explica, puede activar recuerdos de inmediato. Por eso le interesa experimentar con formatos creativos que permitan hablar de sostenibilidad sin rigidez, desde un lugar más cercano y hasta juguetón.
La experiencia se redondea con “La Condesa”, una fragancia inspirada en el sonido y el ritmo de la colonia. La idea es simple: así como la ciudad se escucha y se respira, la moda también puede sentirse más allá de la vista Además, el proyecto sumó una acción fuera del discurso: una activación de reforestación con Belung. Quienes compartían una foto del evento contribuían a la plantación de árboles.
¿Cómo empezaste en el mundo de la sostenibilidad?
Llegué a la sostenibilidad por la puerta de lo creativo. En mi casa siempre hubo conversación sobre arte, imagen y yo, desde muy joven, tenía claro que mi lenguaje era visual. Hace casi diez años empecé a ver las costuras menos glam del sistema. Mientras estudiaba (prepa y universidad) hice prácticas en Vogue Francia, Purple PR, Art Partner y Orchard Mile. Cada experiencia me mostró un pedazo distinto del problema: muestras que se producen para una sesión y no vuelven a usarse, empaques excesivos, piezas que viajan de un país a otro solo para una foto, y la obsesión por lo “nuevo” como si fuera sinónimo de valor.
Después modelé porque quería reunir capital para lanzar mi propia marca y, sin buscarlo, gané una perspectiva completa: el casting, el styling, la logística, los cambios de última hora, el “necesitamos otra opción” que termina en ropa comprada para un rato. Ahí entendí que el desperdicio no es un accidente: está integrado en la rutina.
Estudié fashion marketing y confirmé algo importante: mi fortaleza no era fabricar, sino contar historias. Veía proyectos sostenibles con buenas prácticas, pero con una narrativa que no conectaba con la gente de moda: estética “castigada”, mensajes moralistas o culpa como estrategia. Así que decidí usar mi voz como herramienta: educar sin regañar, hacer que lo responsable se viera deseable y, sobre todo, abrir conversación desde el estilo.
Marina, te defines como “artivist”. ¿Qué significa para ti y cómo lo llevas a la práctica?
Para mí, ser “artivista” es mezclar arte y activismo para mover conversaciones y acciones reales. Lo he hecho con campañas como #OneDressToImpress, cuando usé el mismo vestido rojo durante dos meses, y también con proyectos como #YellowLikeALemon o #TheGreenRooms. No quería seguir el camino del miedo o la culpa, sino uno creativo, divertido y que invitara a las personas a formar parte del cambio. Con el tiempo, mis campañas también integraron educación, alianzas con ONGs y llamados a la acción más claros. Hoy, todo nace desde el arte, pero evoluciona hacia la solución: la sostenibilidad tiene que sentirse accesible, deseable y divertida
Vista general del recorrido envolvente: fotografía, moda y residuos textiles se cruzan en una narrativa que no busca decorar el tema, sino enfrentarlo.
¿En qué momento te diste cuenta de que el color podía ser una herramienta narrativa y no solo estética?
Para mí, el color empezó a tomar otro sentido cuando entendí que podía cambiar la forma en que la gente percibe la sostenibilidad. Muchas veces, cuando alguien escucha esa palabra, piensa en algo serio, apagado o hasta aburrido. Yo quise romper con esa idea.
El color se volvió una manera de mostrar que lo responsable también puede ser atractivo, divertido y con mucho estilo. Es una forma de llamar la atención, de invitar a mirar otra vez y de abrir la conversación desde un lugar más cercano.
Por eso también he usado mi propia imagen como parte de ese mensaje. En lugar de solo hablar del tema, prefiero hacerlo visible. Un ejemplo fue Yellow Like a Lemon, un proyecto en el que durante dos meses me vestí completamente de amarillo. Pero detrás de esa propuesta había una regla muy clara: no comprar por impulso. Todo lo que usé era ropa rentada, prestada, de segunda mano o de marcas con enfoque sostenible.
Lo que parecía un ejercicio visual también buscaba demostrar algo muy simple: que la moda responsable no tiene por qué ser limitada ni verse siempre igual. Al contrario, también puede ser creativa, libre y muy expresiva.
Después llevé esa misma lógica a un tema más incómodo: los microplásticos. En We See Through, quise hablar de algo que casi no vemos, pero que está presente en lo que usamos, respiramos y desechamos. Por eso aparecía cubierta de plástico. Era una imagen fuerte, incluso contradictoria, pero justo por eso funcionaba: hacía que la gente se detuviera, mirara y se preguntara qué estaba pasando.
Al final, en ambos casos la idea es la misma: si queremos que la sostenibilidad llegue a más personas, primero tenemos que volverla cercana, clara e interesante. Y ahí el color, intenso y difícil de ignorar, me ayuda a abrir esa puerta.
¿Cómo imaginas tu futuro creativo y qué viene para re:FRAME?
Me imagino mi futuro creativo en un punto donde se cruzan el arte, la industria y el activismo. Creo que ahí es donde hoy están pasando las cosas más interesantes: en proyectos que no solo cuentan algo, sino que también pueden mover ideas y transformar hábitos.
En el caso de re:FRAME, vienen nuevas ediciones en otras ciudades y también estoy trabajando en proyectos que conectan bienestar, naturaleza y diseño. Todo sigue partiendo de una misma inquietud: cómo vivir, crear y consumir de una manera más consciente, sin dejar de lado la belleza ni el placer.
También creo que con re:FRAME, Leica deja claro que va más allá de ser una marca de cámaras. Aquí se presenta como un agente cultural que entiende la fotografía como una forma de generar reflexión. En su galería de Polanco no solo se muestran imágenes; también se ponen sobre la mesa preguntas importantes. Y desde ese lugar, mi intención es invitar a mirar con más atención y con mayor responsabilidad.
